芝加哥人不得不知的画<下>

 

俗话讲,内行看门道,外行看热闹。想必像很多人一样,既不在艺术圈内摸爬滚打,又不在艺术氛围内耳濡目染的,走进艺术博物馆往往会有一分陌生、一分敬畏、一分好奇、一分彷徨。

今天小编带你再次走进芝加哥艺术馆的大门,讲一讲另外四幅作为芝加哥人的你不得不知的画作。

美国哥特 (American Gothic) 格兰特·伍德 (Grant Wood),1930,板油彩

美国哥特 (American Gothic) 格兰特·伍德 (Grant Wood),1930,板油彩

这幅画与自由女神像、芭比娃娃、野牛镍币和山姆大叔并称为美国文化的五大象征。

1928年,格兰特·伍德游访德国慕尼黑,被当地的哥特艺术迷恋。所谓的哥特式建筑,主要由石头的骨架券和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上作双圆心骨架尖券,四边和对角线上各一道,屋面石板架在券上,形成拱顶。由于采用了尖券、尖拱和飞扶壁等建筑形式,哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。装饰细部也都用尖券作主题,使建筑风格与结构手法形成有机整体。

1930年8月,伍德在爱荷华州南部的一个小镇看到一所颇具哥特式风格的房子。房子建于1880年代,有五个房间。房子紧凑和坚实的设计,尤其是阁楼上的哥特式窗户,给伍德留下了非常深刻的印象。他想象一个农夫和他的女儿站在房子前面,于是拍下房子的照片,回到了他的工作室。随后他分别请来了他62岁的牙医和30岁的妹妹作为画中人物的模特,并让他们穿上19世纪维多利亚时期的衣服。虽然在画中两人是站在一块的,但实际上这两个人物是在不同的场合下完成的。 伍德花两个月的时间完成了这幅作品,及时赶上了芝加哥艺术学院的展览。虽然一开始裁判们对是否要接受他这幅画上有分歧,但这幅画最后得以参展并获得了铜奖和300美元的奖励。当时这幅画引起了极大的争议,一个艺术批评家指责该画是“侮辱普通乡村人民的漫画”。有人认为伍德用这幅画来讽刺中西部文化的狭隘和压抑,但伍德本人否定了这种说法。也有人把这幅画理解为对美国乡村道德品质的颂扬。还有人认为这部作品的主题非常暧昧,既有赞扬的肯定,又不乏讽刺的意味。

男人的眼睛直直地向前平视,双唇紧闭,黄瘦的脸上表情十分严肃,鼻梁上一丝不苟地架着圆圆的眼镜。他沾满泥巴的手里拿着一个叉,它既代表了在农业占主导地位的年代,农民们勤劳耕作的精神,也象征着在19世纪男权社会中,不容置疑的男性权威和力量。从构图上来看,这个叉与人物椭圆形的脸和人物身后哥特式窗户的线条相呼应。站在他身边的女人一副典型的维多利亚时期女性的装扮,从发型到服饰,甚至到表情,都让人联想起简·爱。同男人一样,女人的表情也不苟言笑,只因那个年代的女性以严谨、矜持、勤劳、克己为美德。她略微站在男人身后,眼睛看向男人,有点“唯他是听”的意味。

黑十字架,新墨西哥 (Black Cross, New Mexico) 乔治亚·欧姬芙 (Georgia O’Keeffe),1929,油画

黑十字架,新墨西哥 (Black Cross, New Mexico) 乔治亚·欧姬芙 (Georgia O’Keeffe),1929,油画

乔治亚·欧姬芙是美国近代画女性大师,画有名,人更有名,风糜美国画坛大半个世纪。她的光环远超过了其它同年代的画家,是很多年轻女子的偶像。她的作品以巨大的花朵为着,画作彷佛是一朵抽象的花心,造型与颜色都跃然纸上,引起一种热热的感觉。 欧姬芙说:“我们总是没时间也没花时间去看待一朵花如同对待朋友一般。”

乔治亚·欧姬芙的画,给人一种“纯净”的感觉,不含半丝杂质;她的画,无论主题是沙漠、花卉、抽象、或牛骨,往往只用少数的颜色,表现形式单纯;明显而大胆的画风,原创性的构图,让她在男性天下的画坛中脱颖而出。

欧姬芙中年之后,跑到新墨西哥州的陶斯沙漠中,一住就是50年。有一种说法是,她放逐于自然是因为丈夫的背叛。女人能够在男人之外汲取艺术的灵感,也因此能从情感危机中拯救自己。陶斯沙漠中的白骨、岩石都成为欧姬芙中年之后最好的精神载体,“当我想到死,唯一遗憾的是我不能再看这里的美景了。除非印第安人说的是对的:当我死去,我的灵魂能够在这里游荡”。

“我如此常常看到十字架——尤其是常在意想不到的地方——天主教会散布在新墨西哥土地好似一层薄薄的黑面纱,”欧姬芙提起在1929年夏第一次到新墨西哥的陶斯时说。欧姬芙是前卫艺术家圈子中的一员,在阿尔弗雷德·施蒂格利茨在纽约的291画廊展出过作品,并和施蒂格利茨这位超前的摄影师和艺术经销商在1924年结婚。她在深夜行走在沙漠中所看到的,而随后变成《黑十字,新墨西哥》的很可能是远处那些名叫Penitentes的秘密天主教友会的教堂附近矗立起来的十字架。无论是建筑物或花卉、山水、或骨头,如同这位美国现代主义的先驱处理她所有的题材一样,这幅画里欧姬芙放大了形状并简化了细节,来强调本质的美感。她画了的十字就像她所看到的那样:“大而强,由木橛子组合在一起”,而在十字架的背后,“那些绵延不断的小山,就好像是在看两英里的灰色大象。”对欧姬芙来说,”画十字架是画这片土地的一种方式”。在1949年,她永久落户在这片心爱的土地上,孜孜不倦地创作直到她98岁临逝世前。

 

弗雷德与玛莎·韦斯曼(美国藏家)Fred and Marcia Weisman 大卫·霍克尼(David Hockney),1968,丙烯画

弗雷德与玛莎·韦斯曼(美国藏家)Fred and Marcia Weisman
大卫·霍克尼(David Hockney),1968,丙烯画

大卫·霍克尼是西方当代最负盛名、最有影响和成就的画家、摄影师之一。作为一个不断创新的艺术家,他总是毫无保留地向公众展示他的生活与挚爱。他通过使用多种技术手段与媒介,展示其创造的自由与极具原创性的见解,使得普通公众可以很容易地感受到他的个人体验。在市场与美学以及绘画风格求新求变的大潮中,霍克尼始终看重艺术与人生、与社会、与人的情感,在艺术形式上适应新的时代审美趣味,探求拓展和突破,他的影响与实际艺术成就达到了统一。

作为二战后时代英国最多才多艺和最具有创造性的艺术家之一,大卫·霍克尼在1964年搬到美国洛杉矶定居。这幅画可能是霍克尼60年代的一组描绘朋友和同事的双人画像中最具有代表性的例子。这幅画描绘了当代艺术收藏家弗雷德和玛莎韦斯曼夫妇在其洛杉矶家中的雕塑花园。像他们周围的景物一样无比僵硬和死板,这对夫妻站在不同的地方,男主人的站姿和右侧的图腾柱相呼应,而女主人则和她身后的亨利·摩尔的雕塑相呼应。女主人的露齿一笑也映射了图腾柱。耀眼的光让此景象变得平面和抽象。两位收藏家在画里对彼此和彼此的艺术品仿佛浑然不觉。而正是这光,并非两位收藏家之间的亲和与亲密,把整幅画的构图合成一体。

 

河畔浴者 (Bathers by a River) 亨利·马蒂斯 (Henri Matisse) ,1909年3月-1910年、1913年5月-11月、及1916年早春-1917年10月(不详),油画

河畔浴者 (Bathers by a River) 亨利·马蒂斯 (Henri Matisse) ,1909年3月-1910年、1913年5月-11月、及1916年早春-1917年10月(不详),油画

亨利·马蒂斯是法国著名画家,野兽派的创始人和主要代表人物,也是一位雕塑家、版画家。他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。21岁时的一场意外,令马蒂斯的绘画热情一发不可收拾,偶然的机缘成为他一生的转折点。用他自己的话说:“我好像被召唤着,从此以后我不再主宰我的生活,而它主宰我。”

马蒂斯认为《河畔浴者》是他职业生涯中五个最”关键”的作品之一。他如此认为的理由相当充分:这幅画在近十年的创作历程中促成了马蒂斯的艺术风格的演化。最初,这幅画起源于俄罗斯收藏家谢尔盖·休金在1909年委派的定做。休金想用两幅大画布来装饰自己莫斯科家中楼梯。马蒂斯给出了三个田园图的提议,虽然休金只决定购买两件作品——《舞蹈II》和《音乐》(藏于圣彼得堡国家冬宫博物馆)。

四年后,马蒂斯回到了那幅被休金拒绝的第三幅画,改变了充满鸟语花香的田园风光,改变了柔和的粉彩调色板,以反映他对立体主义的新兴趣。他重新组合了构图,使画中人物更加柱状,以及没有脸的卵圆形头。在接下来的几年,马蒂斯把背景转变为四条竖直的带状区域,并把原本的蓝色河流变成了厚厚的黑色纵带。凭借其有限的调色板和极度抽象的形式,《河畔浴者》和其他两幅作品《舞蹈II》和《音乐》大相径庭,整幅画传达出优美婉约的抒情性。画中呈现出的清醒和一丝危险的气息可能部分反映了在此可怕的战乱时期马蒂斯的忧虑。

翻译/Zilu Wang